Продолжаем нашу публикацию об архитекторах моды, дизайнерах, которые создавали свои творения не как портные, а скорее как скульпторы, архитекторы, инженеры, чьи идеи остаются актуальными и по сей день. Сегодня наш рассказ о двух величайших кутюрье - Кристобале Баленсиаге (Cristobal Balenciaga) и Чарльзе Джеймсе (Charles James).

И хотя их имена известны больше профессионалам, и тот, и другой стали поистине новаторами в мире женской моды, линий, кроя и стиля. Их открытия без сомнения повлияли на развитие моды "от кутюр". Точно так же как Мадлен Вионне - их можно по полному праву назвать "архитекторами моды". Они относились к своим моделям как к конструкциям, построенным по определенным архитектурным м инженерным законам, но при этом, что важно, ценили и тех, кто будет потом блистать в них - женщин. И, как истинные кавалеры, старались в своих творениях тонко подчеркнуть женскую красоту.

Фото 1. Кристобаль Баленсиага. Фото 1950-х г.

Кристобаль Баленсиага (1895-1976). Обманчивый минимализм

Если сегодня спросить людей, далеких от мира моды, кто такой Кристобаль Баленсиага (Cristobal Balenciaga), большинство удивленно пожмет плечами. А ведь совсем недавно его имя гремело и в Старом, и в Новом Свете, им восхищались даже его коллеги, многие из дизайнеров того времени и современных называли его своим учителем, у него одевались такие звезды мировой величины, как королевы Испании и Бельгии, принцесса Монако, герцогиня Виндзорская, Полин де Ротшильд, Мона фон Бисмарк, Ингрид Бергман и Марлен Дитрих. У него начинали свою карьеру модельеры Андре Курреж и Оскар де ла Рента, Юбер Живанши и Эммануэль Унгаро, а легендарная Коко Шанель говорила о нем: "Он единственный Кутюрье в прямом смысле слова – все остальные дизайнеры".

Жизнь его была также удивительна, как и его модели. Он появился на свет в маленькой баскской деревушке, первые уроки кройки и шитья получил у своей матери, которая была портнихой,  вместе с ней в 12 лет сразу же после гибели отца-моряка, приехал в Сан-Себастьян, где стал подмастерьем у городского портного.

В 1913 году он поступил на работу к Калле де Хернани - известному в Испании дамскому портному . Чтобы лучше изучить последние тенденциями моды, молодой человек отправляется в Париж, где прошел обучение у великой  Коко Шанель. Полный новых идей, он возвращается в Испанию, где открывает свое первое авторское ателье в Сан-Себастьяне. В 1919 году он переименовывает его в "Дом моды Balenciaga". Его модели, отчасти с копированные с парижских, отчасти адаптированные под особенности фигуры испанских женщин, имели колоссальный успех, и в 1933-м талантливый модельер открывает свой первый магазин в Мадриде, а в 1935-м и в Барселоне.

Как и Мадлен Вионне он был перфекционист в работе. Будучи превосходным портным и закройщиком, в каждой коллекции хотя бы одну вещь делал сам, отдавая работе всего себя, и такой же отдачи и аккуратности он требовал и от своих швей.

Фото 2. Платье "Инфанта", атлас цвета слоновой кости и черный бархат. 1939 г.

Когда в Испании началась Гражданская война, он переезжает в Париж, где в 1937 году открывает модный дом. Именно там он создает свою первую коллекцию "Инфанты", принесшую ему сокрушительный успех и именитых клиенток. Выполненное из атласа цвета слоновой кости и отделанное бархатом (в разных вариантах либо тёмно-зелёным, либо чёрным), платье словно сошло с картин Диего Веласкеса (фото 2). И это сходство не случайно. Будучи настоящим испанцем, он прекрасно знал испанскую культуру, скульптуру, живопись, народный костюм, и интерпретировал их в своих моделях.

Черпая свое вдохновение в прошлом — в искусстве эпохи Возрождения, Средневековья, XVIII или XIX веков, он успешно переносил традиции прошлого в свои модели, любил использовать корсеты, турнюры, сложные нижние юбки, большие тяжелые банты. Известное платье 1955 года  (фото 3) словно переносит нас в XIX век, позднее на его основе Рене Грюо создал свою знаменитую иллюстрацию для журнала "Vogue" (фото 4).

Баленсиага любил "играть" с текстурами ткани, порой сочетая в своих моделях несочетаемое. Именно он ввел в моду такие ткани, как тафта в сочетании с бархатом, муар, рогожка, твид и букле для жакетов и пальто. Баленсиага почти не использовал ткани с рисунком и принтами, а также пышную отделку и лишние детали. Его коллекции отличаются лаконичностью, строгостью и элегантностью (фото 5)..

Фото 6. Льняной костюм. 1952 г.

Но главным достижением Балансиаги были пальто и костюмы. Он любил плотные толстые ткани, хорошо держащие форму, из которых он мог бы лепить силуэты своих творений. И хотя его модели на первый взгляд кажутся достаточно простыми, они прекрасно сбалансированы и посажены, не смотря на то, что каждая конкретная вещь создавалась на реальную женскую фигуру (фото 6).

Баленсиага считал, каждую женщину привлекательной, он старался подчеркнуть это  каждой своей модели, используя для этого несколько интересных приемов оптической иллюзии: делал чуть укороченным рукав - 3/4 или 7/8 - который обнажал бы запястья, что придавало его моделям хрупкость, чуть отставлял ворот от шеи, чтоб обнажить ключицы и сделать шею изящнее, немного завышал линию талии, тем самым делая визуально ноги длиннее, а фигуру - женственнее, пластичнее, загадочней.

На фото 7 костюм 1951 года с прилегающим лифом и летящей спинкой - такой силуэт был очень популярен в то время. Но в его модели поражает устройство рукава. Коко Шанель когда-то очень ругала дизайнеров 50-х годов, за то что они не понимают женщин и сковывают их своими ужасными вещами, так что них невозможно поднять руку. Но к моделям Кристобаля Баленсиаги у нее претензий не было - при очень простом на первый взгляд крое, его модели отличала идеальная посадка.

На фото 8 свингер начала 50-х годов - сочетающий одновременно и простоту конструкции, и сложность кроя. Цельнокроеный рукав заложен глубокими драпировками, складками, нет ни воротника, ни лацканов, вообще никакого декора. При этом идеальные драпировки и ровная линия низа, что делает это пальто настоящим шедевром.

Совсем простой на первый взгляд костюм прямого силуэта, широкой линией полузаноса, рукавом 7/8, аккуратной маленькой подкрайной стойкой, и потайным карманом в глубоких заломах, идущих от бокового шва на грудь (фото 9). Костюм интересен устройством цельнокроеного рукава, обычно такие рукава топорщатся. Чтобы добиться такой посадки, как это изображено на фото, приходилось выкраивать детали стана и спинки с разным углом наклона рукава, и потом, при  помощи многократной оттяжки достигалась идеальная форма и посадка. Понятно, что все это невозможно рассчитать и построить, это можно только слепить из материала. 

Фото 10. Ателье Баленсиага. Париж, 1950-е гг.

При этом поражают минималистские, лаконичные очень простые формы этого костюма, достойные повседневной одежды, которую можно носить годами. Современники так и говорили про его модели -  это вещи вне времени и на все времена. И действительно, подчас бывает очень трудно угадать, в каком году были созданы те или иные его вещи,  они настолько необычны, нетрадиционны, что кажется,  будут вполне гармонично смотреться и на современном подиуме (фото 12).

Баленсиага не использовал фальшивых бюстов и накладных бедер, максимально раскрывая пластические возможности каждого материала. Именно такое пальто как раз и изображено на фото 10,  поражающее воображение своим покроем: тафта мандаринового оттенка роскошным колоколом ниспадает, скрывая большую юбку, подол чуть скошен назад, рукав 3/4 и огромный напоминающий лепесток воротник, который ниспадает на плечи как пелерина. Это словно подчеркивает хрупкость узких щиколоток и запястий женщины.

В 1960-е годы он начал все больше работать с формой, параллельно идя по пути минимализма. Примером может служить пальто на фото 11, его отличает оригинальный крой рукава - спереди он отрезной, сзади - цельнокроеный. Очень минималистичным выглядит и свадебное платье 1968-го года - ассиметричное, с длинным шлейфом, как и многие его модели того периода. Таких вот, чуть ли не монашеских одеяний было много создано им в последние годы карьеры.

Баленсиага никогда не бежал за модой, всегда существовал параллельно с ней, при этом многие его вещи на протяжении 50-х-60-х годов оказывались именно вершиной моды и во многом повлияли на развитие моды будущего. Именно он впервые создал вечерние платья, закрытые спереди, но обнажавшие спину, блузы без воротника, сделал модными узкие платья с туниками, жакеты с объемными спинками, рукава реглан и рубашечного покроя. Современные девушки могут благодарить Баленсиагу за платья "бэби-долл" - столь модный сейчас фасон платья с завышенной талией.

В 1968 г. Баленсиага закрыл дом моды, не видя будущего для высокой моды в мире, где победили готовая одежда и вульгарный, по его мнению, уличный стиль. Как и Шанель, он думал, что дни высокой моды, которую они считали "высоким ремеслом", сочтены.

Фото 14. Чарльз Джеймс с одной из своих клиенток. 1950-е гг.

Чарльз Джеймс (1906-1978). Платье как скульптура.

Кристобаль Баленсиага как-то назвал Чарльза Джеймса единственным дизайнером, который поднял мир моды от уровня декоративно-прикладного до уровня подлинного искусства. И эти слова не кажутся преувеличением, ведь Джеймс вошёл в историю моды именно как первый и самый знаменитый американский кутюрье.

Он родился в Англии в 1906 г., в семье американки из Чикаго и британского офицера. Недоучившийся дизайнер-архитектор, он в 19 лет неожиданно решил заняться модой и открыл в Америке шляпный магазинчик под названием "Charles Boucheron". Его творения начали пользоваться успехом, ведь он создавал поистине восхитительные шляпки и другие дамские аксессуары. Но этого молодому человеку показалось мало, в 1928 году он перебрался в Нью-Йорк, где приступил к созданию своих "шедевральных" платьев.

Как и Баленсиага, и Вионне, Джеймс был перфекционистом в моде и доходил в этом чуть ли не до абсурда – мог одно платье делать годами, мог тратить на один шов несколько месяцев, мог снова и снова выравнивать подол или изменять конструкцию рукава. Но в итоге из его рук выходили настоящие шедевры.

Почему его зазывали "гением"? Наверное потому, что он рассматривал женское тело, как каркас, нечто такое, из чего можно было вылепить скульптуру, а не просто одеть. Обладая инженерными знаниями, он подходил к созданию моделей именно как архитектор, тщательно разрабатывая и выверяя конструкции своих моделей.

Одна из самых знаменитых его вещей 30-х голов – "пневматический жакет" (фото 15). Джеймс создал этот жакет как элемент вечернего костюма для своей клиентки Оливер Дженнингс. Вещь произвела настоящую революцию, а Сальвадор Дали назвал этот жакет "мягкой скульптурой". Именно этот жакет и послужил прототипом для многих стеганых курток и пальто в 1970-е годы. Сам Джеймс мечтал воплотить его в других материалах, например, в люксовой лайке или нейлоне.

Фото 18. Скульптор моды, Джеймс часто создавал платье как отстоящий от тела объем. 1950-е гг.

Но все-таки Джеймс был и остается богом бальных платьев - он рассматривал их как произведения искусства, создавая в итоге настоящие шедевры - и с точки зрения эстетики, и как конструктор. Знаменито его абстрактное платье (фото 16), названное "четыре лепестка клевера". Он создал его специально для Mrs. Randolph Hearst, Jr.,  для бала по случаю инаугурации президента Эйзенхауэра в 1953 г. Форма юбки платья напоминает клевер с четырьмя листьями. Как истинный конструктор, он не бросал однажды найденную идею, и позднее использовал ее в других своих моделях (фото 17).

Будучи поистине скульптором моды, Джеймс часто создавал платье как отстоящий от тела объем. Это достигалось и при помощи кроя, и благодаря сложно устроенному, тщательно сбалансированному каркасу (фото 18). Для тонких тканей он широко использовал эффекты драпировки, например как его знаменитые круговые драпировки на платье из коричневого шифона 1955 года. (фото 19, 20). Тот же эффект он использовал и в платье "Лебедь", которое отличает еще сложная многоярусная юбка, скроенная из множества слоев разного цвета (фото 21).

Сложно сказать, кто придумывал названия его платьям, но они оказывались очень точными. Так платье "Бабочка" на самом деле напоминает ночную бабочку со сложенными крыльями (фото 22). Платье "Дерево" явно восходит фасоном к "русалочьим" платьям XIX века, а мелкие драпировки стана, заложенные вручную, похожи по своей фактуре на древесную кору. На фото 23 и 24 мы видим несколько вариантов такого платья.

Такие платья  - пышные, роскошные, дорогие  - были коньком Джеймса, чтобы получить их, его клиентки были готовы  ждать месяцами и даже годами, пока он, увлекшись процессом, совершенствует какую-нибудь деталь. Однако считается, что именно сложные отношения  с клиенткам и вынудили его прекратить карьеру. 

Но вклад его в мировую моду трудно переоценить. Чарльз Джеймс был модернистом, стремящимся к интеграции и объединению форм. Но его дизайн был совершенно иной, чем у Баленсиаги или Вионне. Джеймс любил нарочито показную роскошь, относился к своим платьям, как к произведениям искусства, создавал свой особый стиль, который возвел его в ранг величайшего Кутюрье века.

Несмотря на то, что его слава всегда будет ассоциироваться с бальными платьями, его так же помнят и за его меховые и отделанные вышивкой плащи, куртки и пиджаки, за его спиральное платье на молнии (он был первым дизайнером, сделавшим акцент на застежке молнии, как на элементе дизайна). В 2001 году было решено создать "Модную Аллею Славы", увековечив на бронзовых мемориальных досках величайших дизайнеров Америки, есть на ней и мемориальная доска и в честь талантливого Чарльза Джеймса.

Архитекторы моды: семь великих дизайнеров XX века. Часть 4: Рей Кавакубо и Хуссейн Чалаян.

Вы уже узнали про Мадлен Вионне,Кристобаля Баленсиагу и Чарльза Джеймса. Пьера Кардена и Роберто Капуччи. Этот список архитекторов моды был бы не полным без двух громких имен  - Рей Кавакубо (Rei Kawakubo) и Хуссейна Чалаяна (Hussein Chalayan), ведь это благодаря им мода и на официальном уровне перестала считаться прикладным искусством (неофициально она всегда считалась высоким искусством, сродни творчеству).

Было официально признано, что не все дизайнеры могут быть коммерчески успешны, но это не умаляет их вклада в мировую модную индустрию. Ведь, возможно, они создают некое новое направление, развивая которое, другие дизайнеры смогут создавать более приземленные, более приемлемые для  массового производства и массового применения вещи.

Фото 1. Рей Кавакубо.

Рей Кавакубо (1942 - ). Эстетика несовершенства

До этого мы рассматривали преимущественно европейских дизайнеров. На их фоне японские модельеры выглядят еще большими скульпторами и архитекторами, увлекающимися формой. Это продиктовано традициями японского народного костюма, устроенного иначе, чем европейское платье. Но поговорим мы именно о Рей Кавакубо (Rei Kawakubo), которая является квинтэссенцией нестандартного, неожиданного, в чем-то даже сумасшедшего подхода и к одежде, и к женскому телу.

В мире моды наблюдается интересная закономерность - дизайнеры-мужчины часто воспринимают женское тело лишь как дополнение к своей модели, тогда как дизайнер-женщина создает функциональные, удобные, комфортные, легкие в носке вещи. Но не Кавакубо - для нее женская фигура только стержень, вокруг которого она выстраивает свои модели.

Рей Кавакубо родилась в Токио в 1942 году. Она не получила дизайнерского образования, закончила престижный университет Кэйо по курсу литературы и изящных искусств. Поработав некоторое время в рекламной компании, в 1969 году Кавакубо решила, что будет заниматься модой и выпускать коллекции одежды под собственной маркой, назвав ее "Comme des Garcons" (от фран. - подобно мальчикам).

В 1980-е годы Кавакубо переезжает в Париж и начинает представлять свои сезонные коллекции одежды класса "prêt-a-porte" в столице мировой моды. И сразу производит фурор среди почтенной европейской публики.

В мире блеска, роскоши, лоска, богатства, блесток и страз, ее показы шокируют ассиметричностью, нелогичной многослойностью, бесформенностью, отсутствием или наоборот гиперболизацией каких-либо элементов.  Причем, большинство моделей было выполнено в разных оттенках черного, грязно-белого или серого цветов. Отсюда и эпитеты, которыми награждали ее вещи вездесущие журналисты и критики: "пост-атомные", "бомжатская роскошь", "шик Хиросимы" (фото 2).

Естественно, ничего подобного на европейских подиумах до Кавакубо не было. Ее коллекции аскетичны, полны деконструктивистских элементов - косых швов, грубых деформированных тканей, неровных подолов, квадратных приподнятых плеч, гиперболически удлиненных рукавов, начинающихся на линии бедра, перевернутых накладных карманов и пр. (фото 3).

Она подходит к одежде исключительно как художник, работающий с трехмерным объемом, полностью игнорируя женскую фигуру и создавая совершенно новую реальность. Такова творческая позиция Рей Кавакубо - отрицание стандартов и постоянная попытка переосмыслить человеческую сущность.  

На фото 4 представлено пальто из "вареной" шерсти натурального оттенка. Сейчас этим никого не удивишь, а когда-то это был настоящий прорыв – использовать нарочито деформированную ткань.

Это становится ее стилем - использовать в моделях нарочито грубо вытканные или небрежно связанные полотна, растянутые, свалявшиеся, со спущенными петлями или неровными краями (фото 5). Ассиметрия, эффекты оригами, контраст между тонкими и толстыми, неровными поверхностями, необработанный край, растянутые трикотажные резинки – все это назвали позже деконструктивизмом японского толка (фото 6).

Модель на фото 7 выполнена из футерованного джерси (из которого обычно делают толстовки). Полотно разорвано и связано, сшито снова - и все это бесформенной массой надето на женскую фигуру. В этом основной смысл творчества дизайнера: женщина не должна прельщать мужчины исключительно женскими формами, потому что женская красота - она внутри.

Рей Кавакубо не любить давать интервью, поэтому о ней известно относительно немного. На ее официальном сайте тоже нет никакой информации - только подборки иллюстраций. Она в этом смысле -  очень последовательный концептуалист. Кавакубо, как истинная японка, создает некую визуальную среду, которую мы должны воспринимать исключительно на уровне эмоций. Надо сказать, благодаря ей и другим японским дизайнерам, такие вот концептуальные бесформенные коконы постепенно входят в моду.

Но при все своей концептуальности, Кавакубо любит традиционные этнические техники, в первую очередь - японские. Давние традиции резьбы по бумаге, распространенные в китайской и японской культуре, вдохновили ее на создание особых "вырезанных" моделей.  На фото 8 - две модели 1992 года, вырезанные из материала, имитирующего бумагу (вискоза и полиэстер), причем орнамент выбран – традиционно японский.

Надо сказать, что Рей Кавакубо очень многолика в выборе решений, у нее нет привязанности к какому-то одному материалу, типу ткани или к определенным формам. ее модели могут резко меняться от сезона к сезону, в зависимости от той концепции, которая овладела дизайнеров в соответствующий период.

Так после тончайших и кружевных моделей 1992 года, в 1994 году она выпускает коллекцию из вареного, как бы спрессованного, нейлонового волокна (фото 9). И в ней уже нет и следа от прежней легкости - полотно грубое, с вытянутыми нитями, разрывами, подол нервный, ткань спереди скручена и небрежно зашита в форме трубы, напоминающей гигантский грубый рубец - все это создает ощущение тревоги, неудобства, эмоционального напряжения. 

Фото 11. "Горбатая" коллекция. Платье из тонкого нейлонового джерси, пуховая подушечка. 1997 г.

В ее коллекции 1995 года внезапно появляются турнюры и ... розовый цвет. Кстати, несмотря на то, что на протяжении десятилетия  она использовала  преимущественно черный цвет, считая его своим фирменным знаком, с середины 1990-х  в ее коллекциях стали постепенно появляться и более яркие, даже пастельные цвета. Она называет их способами дополнительной экспрессии черного, демонстрации его различных граней.

На фото 10 представлен ансамбль  1995 года, состоящий из тонкого деликатного джемпера из нежно- розового акрила и совершенно необычной юбки, которая представляет собой две юбки, сшитые у пояса. Ансамбль дополняет нижняя юбка, выполненная из нежнейшего тюля.

Настоящее признание Кавакубо в мире европейской моды случилось в 1997 году, когда она показала в Париже коллекцию, разрушающую, ставящую под сомнение саму форму женского тела. Коллекция, известная в истории моды как "горбатая", выполнена их тонких,  эластичных, в основном нейлоновых джерси, набивных или однотонных, при  этом облегающие фигуру платья дополнены набивными  буграми и наростами  на спинах, бедрах и плечах моделей, деформирующими фигуру а-ля Квазимо (фото 11). Все это вызвало бурю негодования в модных кругах и, как это обычно бывает, подняло интерес к модельеру на запредельную высоту.

И эта тенденция не меняется вот уже второе десятилетие. Как и раньше, за творчеством Рей Кавакубо пристально следят по всему миру, называя ее гением современного искусства и пророком моды. Ведь каждая новая мысль, воплощенная в необычных вещах Comme des Garçons, непременно становится отправной точкой для многих дизайнеров и художников. И не исключено, что ее модели с последнего показа сезона Весна/Лето 2012 (фото 12, 13) совсем скоро выльются в какое-то новое направление мировой дизайнерской мысли.

Фото 14. Хуссейн Чалаян

Хуссейн Чалаян (1970 - ). Концептуальное искусство моды

Наряду с Рей Кавакубо, этот дизайнер тоже заслужил гордое звание деконструктивиста, ведь он целенаправленно идет против правил и условностей, принятых в мире моды, подходит к созданию коллекций максимально концептуально, используя для  этого нетрадиционные материалы и оригинальные техники

Уроженец турецкой части Кипра, Хуссейн Чалаян в 1982 году переехал вместе с родителями в Англию. Его первым публичным показом стала демонстрация дипломной коллекции в знаменитом колледже моды Central St Martins в 1993 году, которая поразила не только преподавателей, но и весь мир моды. Названная "Преданные земле", коллекция включала в себя несколько платьев, выполненных из натурального шелка, а после .... закопанных в саду вместе с металлическими опилками. Вот такие "эксгумированные" платья и были представлены им на дипломном показе (фото 15). 

Этот эксперимент с материалом был не единственным - в тот же год свет увидела коллекция, выполненная из бумаги, в 1995 он потряс мир моды деревянным корсетом (фото 16).

Отличительной чертой его коллекции  "Panoramic" сезона Осень/Зима 1998 года (фото 17) стали удивительные головные уборы моделей, похожие на шлемы и маски. Сам дизайнер назвал их своим "выражением социальной идентичности, стирающей индивидуальность".

Благодаря использованию инновационных, необычных материалов и оригинальной техники исполнения, в сочетании с концептуальной подачей, Чалаян дважды становился дизайнером года British Fashion Awards - в 1999-м и 2000-м гг. Это очень высокое звание, означающее, что мир моды признал его успех, не смотря на то, что он не был коммерчески успешен.

Фото 20. Коллекция "Аfter words", стол-трансформер, 2000 г.

На фото 18-20 пред нами его коллекция 2000 года "Аfter words" ("Послесловие"). На показе модели выходили на подиум в совершенно простых лаконичных платьях, подходили к интерьеру в стиле 1950-х годов, выставленному тут же, снимали чехлы с кресел, выворачивали их на изнанку, надевали на себя,  представая перед нами в совершенно новых одеяниях.  Такие модели-трансформеры очень завораживали Чалаяна. В этой же коллекции была представлена еще одна модель - деревянный стол, превращающийся в юбку.

Еще одна нашумевшая коллекция того же года, показ Весна/Лето, это коллекция "Before minus Now". На показе на белый подиум вышла модель в платье-панцире из жесткого белого пластика, сложенном из нескольких, идеально подогнанных друг к другу деталей. Затем появился мальчик с пультом дистанционного управления. Он нажимал на кнопку, и юбка твердого пластикового платья раздвигалась и поднималась, подобно закрылкам самолета, обнажая "шасси" из пышного воздушного тюля (фото 21,21). В рамках коллекции также была представлена серия платьев-самолетов, сконструированных с помощью технологий, используемых в самолетостроении, и воплотивших в своем облике аэродинамические принципы движения.

На фото 23 - модель из той же коллекции, платье, выполненное из огромного количества тонких оборок из тюля, подстриженных на манер французского дерева. Сам дизайнер отозвался об этой моделе так: "Речь идет о научно-техническом прогрессе. Два прекрасных платья, словно выточенных из прессованного бледно-розового тюля, олицетворяют силы, воздействующие на формирование земли".

Фото 26. Платье-трансформеры из коллекции весна-лето, 2007 г.

В коллекции 2003 года "Очевидная участь" Чалаян словно обращается к идеям Рей Кавакубо. Модель на фото 24 представляет собой многослойное одеяние из трикотажа с отверстиями, отделанными по краям полосами трикотажного полотна, молниями, тесьмой. Такая рукотворная "роза" вызывает довольно тревожные чувства.  

Модель из коллекции "Airborne", осень-зима, 2007 г., представленная на фото 25, отражает его увлеченность летательными аппаратам, хотя это платье совершенно необычной конструкции выполнено из хлопка и льна.

Очень известная модель из коллекции 2007 года изображена на фото 26, внутрь ее были встроены датчики движения, тонкие механизмы, которые управлялись дистанционно и позволяли радикально менять формы и объем платья. Видно, что у платья в процессе трансформации меняются поля шляпы, поднимаются части  юбки и в итоге получается совсем другая по форме конструкция.

И конечно, нельзя упомянуть  его нашумевшую коллекцию 2009 года, выполненную из силикона, расписанного вручную. Такое необычное воплощение идеи скорости, движения скорее делает эти модели арт-объектами, чем предметами одежды. И не случайно наверное сам Хуссейн Чалаян утверждает: "Я очень часто чувствую себя пришельцем на этой планете, и тем более в мире моды".

Итак, мы рассмотрели только 7 наиболее ярких имен. На самом деле их намного больше. Можно сказать, что архитектура моды, развитие скульптурных концепций в одежде носят ключевой характер для всех современных дизайнеров. Поиск новых форм и способов их создания - тот важный вектор, который задает направление для дальнейшего развития моды.